VETUSTA

2011-05-03T05:30:00.000-07:00

nuovo blog

studiovetusta.tumblr.com

per info

info@matteoserri.com

matteoserri.com

MARZIO DE SANTIS NOORDLANDBRUGGEN POLAROID

2010-05-14T02:44:00.000-07:00

Le Polaroid in bianco e nero scattate da Marzio De Santis,
divengono sia tappe di una precisa mappa geografica
tracciata e seguita dal fotografo nel viaggio da Anversa a Rotterdam,
sia tracce distintive, soggettive,
di scatti che recuperano l’ottocentesca ripresa stenopeica.

vernissage sabato 22 maggio 2010 ore 18.30
aperitivo/djset vetusta via carteria 60 modena

julia kent in concerto

2010-02-08T08:06:00.001-08:00

carteria dal vivo

Dopo aver ospitato artiste internazionali del calibro di Collen, Marissa Nadler, tornano le serate in via Carteria, nel centro di Modena.
Questi concerti, oltre essere uno spettacolo di indubbia qualità musicale, valorizzano il centro della città e in particolare danno lustro a Via Carteria, luogo unico e affascinante a due passi da Piazza Grande.
L'occasione è importante, unisce musica, arte e aggregazione offrendo la possibilità di stare insieme in un modo diverso.
La serata nasce da una collaborazione tra Studio Blanco, Punk not diet!, Studio Vetusta, realtà da tempo impegnate nella diffusione dell'arte, della musica e della cultura.

Giovedi 11 febbraio
ore 21.00

Julia Kent cello, effetti
Barbara De Dominicis voce, elettronica
Davide Lonardi video

Studio Vetusta
Via Cateria 60
Ingresso otto euro.

Barbara De Dominicis, sospesa tra la scrittura e la musica. Manipola suoni, inventa trame sonore. A marzo del 2008 incontra la violoncellista canadese Julia Kent, nome di spicco della scena alternativa americana, violoncellista di Antony and the johnson, collaboratrice di Angels of Light, Ben Weaver, Burnt Sugar, Leona Naess, Teddy Thompson, Devendra Banhart, Donovan, Larsen, William Parker, and Angela McCluskey. Da questo incontro nasce il progetto parallel 41, intensa performance sonora sospesa tra sperimentazione e romanticismo. Visual di Davide Leonardi.

2009-11-11T09:11:00.000-08:00

“47”

2009-09-09T07:02:00.000-07:00

Art Verona +
FestivalFilosofia2009SullaComunità
18/19/20settembre2009

studio vetusta/melepere
presenta
gilda scaglioni
giulia ferrarese
luiza samanda turrini

“47”
maramures,sặpånţa,cimitirul,vesel:
abracadabra dell’allegrezza e del compianto

a cura di Patrizia Silingardi e Sonia Schiavone
con Adriana Jebeleanu

In occasione di ArtVerona, prestigiosa cornice dell’arte contemporanea internazionale, MelePere presenta un progetto espositivo legato al Festival della Filosofia, che si svolge a Modena in contemporanea. In collaborazione con la galleria StudioVetusta e declinando il tema del Festival – la comunità – sulla sua effettiva possibilità di conservazione e memoria quale è da intendersi il luogo del cimitero, MelePere propone il confronto interdisciplinare di tre artiste, Gilda Scaglioni, Giulia Ferrarese e Luiza Samanda Turrini, che di volta in volta, attraverso l’istallazione, il video e la scrittura, argomentano le fascinazioni concettuali di questo luogo. Il progetto è contraddistinto dal numero “47”, che nella cabala significa infatti “morto che parla”. In particolare, al contempo includendo le valenze fiabesche del sortilegio, l’abracadabra cui allude il titolo fornisce precise coordinate spaziali, vere e proprie indicazioni geografiche atte ad indicare un remoto distretto della Romania ai confini con l’Ungheria, Maramures, dove, nella piccola cittadina di Sãpånta, veniva creato negli anni Settanta uno straordinario museo en plein air: il “Cimitirul Vesel”: il Cimitero Allegro, dove a dispetto delle consuete convenzioni – da sempre dedite alla cupa tristezza del lutto - è celebrata l’allegrezza e la gioia. Per Gilda Scaglioni si tratta di creare sepolcri, epitaffi, memorabilia che significano un evento da ricordare con lieve sorriso. Un’albero genealogico degli indimeticati vestiti delle bambole – una sorta di circuito elettrico - è il pretesto per raccontare il languore di un’assenza-presenza di cui è rimasto solo il fantasma, la veste. L’ immanenza degli oggetti, pur sempre connotati da lente pratiche quali il cucito, la scrittura, la composizione accurata – perviene a trascrivere un leggero sentimento di infantile stupore, di perduta inconsapevole felicità. Gli stessi graditi fantasmi, così come quel nostalgico passato di profonda affezione e rimembranza, si raccolgono nel contributo letterario di Luiza Samanda Turrini che presenta una prosa inedita, in cui la parola, come un gioiello, è fine e “cesellata” nel trascrivere il soliloquio degli scomparsi. Nel proporre il suo minuto cimitero allegro, partecipa alla riflessione su quelle indispensabili occorrenze quali sono la preservazione e la memoria al di là delle effimere esistenze. Intanto a scandire l’inesorabile e sempre uguale passaggio del tempo, Giulia Ferrarese si adopera nell’implacabile e sonnolente videoregistrazione di ombre e sole, soffermandosi su cosa galleggia o è prossimo alla marcescenza, intenta a cogliere - nei modi di Baudelaire e dell’apparente minimalismo del cinema russo e d’oltralpe - un qualsivoglia respiro che davvero non sia umano.

vernissage venerdì 18 settembre 2009 ore 19.00
c/o studiovetusta, modena,via carteria60

opening 18-19-20 settembre h.19.00/22.00
c/o melepere,verona,via sottoriva12

melepereverona37121viasottoriva12info390458015353www.melepere.com
vetustamodena41100viacarteria60info393475601841studiovetusta.blogspot.com

Luiza Samanda Turrini

THE DEAD

Ci sentite? Riuscite a sentirci?

Noi non parleremo al vostro orecchio.
Non è con il vostro orecchio
che dovete ascoltarci

Sono altri, i portali

Vi ricordate

di noi?

Nel corso del tempo
Abbiamo avuto

Altri nomi

Voi ci chiamavate

i Viaggiatori

i Sognatori

gli Ammalati

gli Incantati

Ma ora

Ci chiamate
Con un altro

Nome

Noi siamo i Morti

Siamo qui per dirvi
per parlarvi per dirvi che

per
chiedervi

che cosa dovremmo
sentire
per chi

ci disconosce

per chi non vuole vederci

per chi fa finta che noi
non esistiamo

per chi
senza nemmeno saperlo
ci offende

noi vorremmo

scioglierci nelle acque

sprofondare nell’odoroso
e buio

grembo terrestre

o esplodere verso l’alto
portati dalla fiamma

ma voi ci rinchiudete

in scatole ermeticamente chiuse

e i nostri passamenti si dilatano

lì chiusi per anni
finchè la nostra macchina esplosa

non si dissolve

i passamenti
sembrano
non finire mai
e noi guardiamo
quasi con curiosità
lo scempio
ermeticamente chiuso

e pensiamo che davvero
abbiamo perduto il supporto
dell’amore
di chi rimane

se voi ci amaste
se ci amaste davvero
dovreste mangiarci

ma voi avete orrore
di noi

noi siamo gli altri

Noi non siamo uguali a voi

Voi vi muovete, siete in movimento
Il vostro movimento non cessa
mai
nemmeno quando cadete addormentati
Nemmeno quando le vostre teste
sono attraversate
dalle onde theta
del coma

Nell’immobilità più assoluta, se qualcuno vi sposta
il vostro movimento genera

onde armoniche

Noi no

Vi ricordate?
Vi ricordate del nostro corpo,
dopo che noi siamo passati
Di Là?

Era come un minerale
un guscio vuoto
fermo

Vi ricordate dei movimenti
dei nostri corpi
evacuati?

Erano sordi. Si incuneavano nei sostegni
Erano dei
non-movimenti

Oh, la danza delle molecole viventi
Perpetua
Come una sinfonia

Voi dite
che come voi
è meglio

La vita è meglio della morte!
voi dite

Quando lo dite, noi sorridiamo

È come il ricordo

di un sorriso

È meglio?
È peggio?

È meglio la gemma dell’infazia
o il fiore
della giovinezza?

Ci sono i vantaggi
e gli svantaggi

intrecciati fra loro
come una tela

I vostri vantaggi sono le Cinque Maestà,
i vostri portali
che in realtà sono
molti di più

i cinque che conoscete
sondano e scompongono il mondo
e lo riuniscono insieme
nel corpo
Così il corpo e il mondo diventano uno
Ma il vostro corpo si percepisce
come separato

E questo per noi è un mistero.
Noi abbiamo dimenticato
Come questo
Sia possibile.

I portali
Sono un capolavoro

Il caldo tatto, che avvolge i vostri esseri
come una coperta di piume

Il voluttuoso gusto
che stacca pezzi grondanti di mondo e
li porta dentro di voi

L’odorato
che vi parla come la musica, e si conficca
negli stati più profondi
della memoria

L’udito,
che trasforma il mondo
in un giardino di fruscii, di canti,
di silenzio urlante

E la vista,
il divino raggio
il soffio
della conoscenza.

Che forza
Che nettezza
Che splendore

Noi non ce li abbiamo più
Quello che ci rimane
È pallido ed attutito
Come in un sogno

Noi abbiamo evacuato
l’ancora del corpo.

Siamo decollati.

E ora siamo
in balia
Delle correnti.

Che
Cosa
E’
Successo?

Ci abbiamo messo un po’
prima di
prenderne atto.

Il dolore è stato

Fortissimo

Il dolore più grande
di tutta
la vita

Il corpo non lo ha retto.
Si è schiantato

Non importa
come ci arriverete.

Nel sonno, nella malattia, nella tortura

Il picco è uguale per tutti.

E non è
facile

È difficile

È la cosa più difficile che vi capiterà di fare

Morire

Il dolore è
Indicibile
.
Il corpo si schianta. Esplode.

Il tempo finisce

Ma dopo

Nell’attimo

sulla soglia

Nel momento
del rilascio

Sopravviene
L’ultima
Sensazione

Un piacere

Infinito

Come il dolore che è venuto prima di esso

Sfuma
come un ricordo

Come qualcosa che non c’è

Perché noi

cessiamo di esserci

come voi farete

tutti voi
lo farete

E poi?
Cosa succede poi?

Noi vediamo
che voi volete sapere
che cosa succede
poi

Succede che

Si abbandona
il corpo schiantato

si esce

Fuori

e fuori non c’è più il tempo

l’argine del fiume in cui il tempo
scorre
è il corpo

e quando il corpo finisce
il fiume del tempo si getta nell’oceano

dove non esiste né prima né dopo
ma tutto avviene in un eterno presente
come nei sogni

noi perdiamo il corpo
e in quel momento capiamo
che il poema

del suo movimento costante

è solo un pallido preludio
di ciò che

viene dopo

noi prendiamo il volo
voliamo

intorno alle case
alle montagne
sfioriamo le cime degli alberi
le distese di nubi
vediamo la terra dall’alto

scorporati

non abbiamo più vincoli
di gravità e di peso

andiamo
da un mondo all’altro
senza più leggi terrestri
a cui obbedire

come nei sogni

a volte indugiamo presso di voi

vi spianiamo le strade
allineiamo i crocicchi
oppure vi urliamo
di non andare

e il sogno diventa
bellissimo
quando voi
ci sentite

e ora vediamo
che voi ci chiedete
ci incalzate
volete sapere

della nostra natura

vedrete

la morte
la morte
la morte non è che

un passaggio

a una fase ulteriore

una fase priva
della meravigliosa
e pesante
cassa di risonanza
della carne
e dell’io

una fase
più

sottile

in cui rimangono solo
molecole
ed elettricità

onde

noi siamo come
le onde

passiamo attraverso
le cose

sentiamo

le modulazioni di frequenza

dei pensieri
e delle intenzioni

vediamo tutto

dall’alto

vediamo
la mappatura

e non siamo

come voi ci credete

eterni

la vostra memoria di noi
ci lega
a prima

quando la vostra memoria
si dissolve
il legame si spezza
e noi

viaggiamo
per diporto

fino a che
non sentiamo

qualcosa
che sembra

il ricordo della stanchezza

e allora
decidiamo

di dissolverci
di disperdere
i nostri atomi
nel mondo

cadendo come semi
nella terra
nelle pietre
nel mare
e questa volta
tutto

avviene

senza dolore

in pace

ma prima che questo accada
prima di riuscire a governare il sogno

noi continuiamo ad esserci

e amiamo i profumi
le luci
le cose che ci assomigliano
i suoni

quando voi ce le portate
portate a noi luci, profumi, suoni
essi ci accarezzano
ci toccano
e noi siamo
felici

è come

il ricordo

della felicità

ma più di tutto

amiamo
parlarvi

nelle ore buie
nelle ore
solitarie
se voi vi metterete all’ascolto
noi vi parleremo

vi parliamo a volte
attraverso canzoni
attraverso immagini improvvise
attraverso
parole
scritte da altri
noi abbiamo il potere
di piegare
i crocicchi invisibili

noi siamo forti
e numerosi
come le onde del mare
e possiamo
portarvi in dono
parole e immagini
portarvi armonie musicali

ma se voi volete
la notte riuscirete a parlarci
nelle bolle di silenzio

dovrete fare attenzione
e scartare tutte le altre voci
dentro la vostra testa
e sintonizzarvi
sulla nostra

noi non vi mentiremo

fra voi c’è chi
riesce ad ascoltarci
meglio
perché il fragore del mondo
non riesce a portarselo
assieme agli altri
e questo chi
spesso sente che

deve risponderci

e allora fa delle cose

cose purificate
che mostrano
lui
e il mondo
com’è davvero
e come dovrebbe essere

questo chi
da corpo
a ciò che noi gli suggeriamo

perché attenzione

tutte le vere visioni
sono visioni
dell’Aldilà

così viene preparato il fondale
del trapasso
il paesaggio di là
per quando passeranno
quelli fra voi
che sanno
ascoltarci
e darci risposta

Noi parliamo di noi e di voi
Perché voi
possiate capirci

Ma in realtà
non esiste
un noi e un voi

Perché tutti voi
diventerete noi
Nessuno escluso

non dovete avere
paura

noi siamo stati voi
voi tutti sarete noi
noi e voi
siamo la stessa cosa

MUSTAFA SABBAGH ultre l’epiteliale

2009-05-09T02:05:00.000-07:00

A cura di Patrizia Silingardi e Sonia Schiavone

8 maggio – 20 giugno 2009
vernissage venerdì 8 maggio 2009 ore 19.00
c/o MelePere(verona)
in miniatura
vernissage sabato 16 maggio 2009 ore 19.00
c/o Vetusta(modena)

Venerdì 8 maggio 2009 inaugura presso la Galleria MelePere di Verona la personale Mustafa Sabbagh. Sensibile interprete di una ritrattistica fotografica che da sempre elude gli artifizi patinati consoni agli stilemi della moda, propone una serie di lavori che si articolano tra i suggestivi sotterranei della galleria veronese MelePere, risalenti al XII secolo. Il contesto vernacolare, impuro e dimesso sottolinea controverse sospensioni percettive. La sua Fotografia è un riflesso tiepido e pacato, una distillazione limpida, una preziosa cristallizzazione. Adolescenziali fisionomie intrise di raro lirismo si susseguono nel manifestare le fascinazioni del sidereo, del lenticolare, di quell’estetica d’oltralpe – fiamminga e scandinava – che dalle antiche intuizioni della Scuola quattrocentesca delle Fiandre, si compie nell’odierna avanguardia di Tillmans, Teller e Dijsktra. In luogo ad ogni attributo iconografico che possa compromettere il desiderio di una seppur labile eternità estetica, il nudo, la carne, l’epitaliale sono il suo ideale: il punctum si insinua come efelide, piccola vena sottocutanea, accidente, contusione e piccola ferita. Disseminate di divine imperfezioni – nei modi caravaggeschi e preraffaelliti che ebbero la sacrilega ambizione nel ritrarre qualcosa di ultraterreno nei panni impuri della cruda realtà – le pose assecondano un immobilismo ghiacciato di inaudita immediatezza. In qualche caso compare un dinamismo cupo e suadente, pervaso da uno spleen romanticheggiante, di erotismo rassegnato, incompiuto. Ne conviene una sorta di neoclassicismo velatamente espressionista dove la vertigine del reale, la meraviglia dell’immondo, la perfettibile imperfezione si impongono come unici stilemi di una galleria di volti che descrive un’epoca decadente, afflitta, emaciata, sotterranea – underground -.

Mustafa Sabbagh nasce ad Amman (Giordania) e studia architettura all’università di Venezia. Dal 2006 insegna fotografia e comunicazione presso la Facoltà di Architettura del Università di Ferrara. Formatosi a Londra come assistente di Richard Avedon, nel 2007 svolge un progetto didattico di shooting alla Central Saint Martins College of Art and Design. Collabora e pubblica diversi lavori in numerose testate tra le quali Arena, the face, Vogue Italia, L’uomo Vogue, Rodeo, Gasby, Front, Kult, ecc. Dal 2004 partecipa a diversi progetti editoriali ed espositivi (bread & butter, Berlino,2004; Human game e Welcome TO MY HOUSE, Firenze, Fondazione Pitti 2006; Lee jeans book , Berlino; bepositive, edwin, forfex, Milano, White, 2009; Carne, Milano, Superstudio, 2009). Sempre nel 2009 partecipa a Like-us, mostra d'arte itinerante ed interdisciplinare che omaggia il genio di Tina Modotti, inserita nel Circuito Off di Bologna Arte Fiera.

"DAVANTI" di Jukka Reverberi inaugurazione con Library Tapes live-set domenica 8 marzo ore 18.00 Vetusta via Carteria 60

2009-03-05T07:56:00.000-08:00

n.23

2009-01-22T06:31:00.000-08:00

“come una fiala rende dopo lunghi anni il profumo dell’essenza che vi fu un giorno contenuta, così certi oggetti conservavano pur qualche vaga parte dell’amore onde li aveva illuminati e penetrati quel fantastico amante.“ (Gabriele D’Annunzio, Il Piacere)

“(…) fu condotto in un vallon fra due montagne istretto / ove mirabilmente era ridutto / ciò che si perde o per nostro diffetto, / o per colpa di tempo o di Fortuna: / ciò che si perde qui, là si raguna / Le lacrime e i sospiri degli amanti, / l'inutil tempo che si perde a giuoco, / e l'ozio lungo d'uomini ignoranti, / vani disegni che non han mai loco, / i vani desideri sono tanti, / che la più parte ingombran di quel loco: / ciò che in somma qua giù perdesti mai, / là su salendo ritrovar potrai. Ami d'oro e d'argento appresso vede / in una massa, ch'erano quei doni / che si fan con speranza di mercede / ai re, agli avari principi, ai patroni / Vede in ghirlande ascosi lacci; e chiede, / ed ode che son tutte adulazioni. / Di cicale scoppiate imagine hanno / versi ch'in laude dei signor si fanno. Di nodi d'oro e di gemmati ceppi / vede c'han forma i mal seguiti amori. / V'eran d'aquile artigli; e che fur, seppi, / l'autorità ch'ai suoi danno i signori. / I mantici ch'intorno han pieni i greppi, / sono i fumi dei principi e i favori / che danno un tempo ai ganimedi suoi, / che se ne van col fior degli anni poi. Ruine di cittadi e di castella / stavan con gran tesor quivi sozzopra. Domanda, e sa che son trattati, e quella congiura che sì mal par che si cuopra. / Vide serpi con faccia di donzella, / di monetieri e di ladroni l'opra: / poi vide bocce rotte di più sorti, / ch'era il servir de le misere corti. (…) Vide gran copia di panie con visco, / ch'erano, o donne, le bellezze vostre. / Lungo sarà, se tutte in verso ordisco / le cose che gli fur quivi dimostre; / che dopo mille e mille io non finisco, / e vi son tutte l'occurrenze nostre: / sol la pazzia non v'è poca né assai; / che sta qua giù, né se ne parte mai. (…) Era come un liquor suttile e molle, / atto a esalar, se non si tien ben chiuso; / e si vedea raccolto in varie ampolle, / qual più, qual men capace, atte a quell'uso. / Quella è maggior di tutte, in che del folle / signor d'Anglante era il gran senno infuso; / e fu da l'altre conosciuta, quando / avea scritto di fuor: Senno d'Orlando (storia di una fiala) . E così tutte l'altre avean scritto anco / il nome di color di chi fu il senno. / Del suo gran parte vide il duca franco; / ma molto più maravigliar lo fenno / molti ch'egli credea che dramma manco / non dovessero averne, e quivi dénno / chiara notizia che ne tenean poco; / che molta quantità n'era in quel loco. Altri in amar lo perde, altri in onori, / altri in cercar, scorrendo il mar, ricchezze; / altri ne le speranze de' signori, / altri dietro alle magiche sciocchezze; / altri in gemme, altri in opre di pittori, / ed altri in altro che più d'altro aprezze. / Di sofisti e d'astrologhi raccolto, / e di poeti ancor ve n'era molto.“
(Ludovico Ariosto, Stanze dell’Orlando Furioso, Canto XXXIV.

STEFANO PASQUINI
La veneratio nella luna ariostea. Elegia romantica all’ubiquo eternamente ripetuto
A cura di Patrizia Silingardi e Francesca Pincelli
17 gennaio – 28 febbraio 2009
vernissage sabato 17 gennaio 2009 ore 19.00

Narra Ludovico Ariosto che alla ricerca della perduta ragione dell’innamorato Orlando (racchiusa come distillato in una famigerata fiala), il cavalier Astolfo, a cavallo dell’Ippogrifo, approda in una fantasmagorica Luna ritratta come una disordinata cloaca postdiluviana in cui sono raccolte tutte le cose che si sono perdute sulla Terra. Sorta di grandiosa discarica di oggetti prossimi alla ripulsa e all’oblio, la Luna ariostea si presta all’omologia con i rovinosi fondali postmoderni cui l’estetica di Stefano Pasquini si rivolge per selezionare la “materia prima” che andrà a costituirne i manufatti artistici. Per curiosa similitudine la fiala descritta da Ariosto è conforme al capolavoro duchampiano 50 cc air de Paris (27.12.1919, readymade – ampolla di vetro, originale rotto e replica riparata fornita da Duchamp, 1949, Filadelfia, Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg Collection), opera emblematica al fine della comprensione della sezione di lavori quali sono stati scelti per tale evento espositivo. Della sterminata produzione artistica di Stefano Pasquini, la possibilità di contenere l’incontenibile, il gusto astruso per quegli oggetti ambigui, leggermente surreali, in cui si condensa un eccesso di senso e significato, è il pretesto per raccontare una sua indole estetizzante e marginale che si distingue dalla lungimirante ricerca kitsch e post-punk che caratterizza molta parte del suo lavoro . In particolare si tratta di una serie di assemblage catturapolvere e al limite della scultura, provocatori accumuli di oggetti disparati, incorniciature, grafismi a cui è assegnato lo statuto di reliquia, preziosimo e unicità. Permeata dalla passione duchampiana per la reticenza – intesa non come silenzio ma come ambiguità attraverso il silenzio - la selezione dei lavori sarà interessata da implicazioni sentimentali quali la preservazione, la testimonianza e l’affezione sentimentale. Dichiarati emblemi della Blank generation (“generazione del Nulla”), non senza colti riferimenti alle avanguardie dadaiste, surrealiste, situazioniste, a Duchamp, e a Warhol, essi sono oggetti, reliquie, su cui si sono avvalse, di volta in volta, le strategie del riciclaggio e sull’uso alternativo secondo un’estetica del rifiuto, un allure insieme dandy e sottoproletario, ricercato e dimesso che proclama un certo anarchismo in cui tutto è posto sullo stesso piano. In particolare, paradossalmente in luogo all’utopia nichilista, la rumorosità mondana del residuo postmoderno si placa nel silenzio apparente, nella volontà e nell’occasione in cui è possibile l’applicazione del principio “religioso” della veneratio. Finalmente posti sopra al “piedistallo” dell’Arte, elevati al rango, gli oggetti, in primo luogo misconosciuti, demitizzati, sottoposti al dislocamento e allo stravolgimento funzionale, appaiono infine come silenziosi, senza alcun racconto urlato e pittoresco, ora prostrati con discrezione alla benevolenza e alla venerazione dell’osservatore. E poiché la venerazione cui sono sottoposti è appassionata affermazione del presente ed assenso pieno verso la fatale contingenza della più anche umile materia, l’eterogeneità del suo lavoro si conforma ad un’elegia romantica di antica memoria adita alla rivelazione di un qualsivoglia contenuto emotivo sempre sottogiacente all’immanente ed immonda presenza fisica delle cose. Al punto più alto del suo universo sta l’opposto del Bello e del bene comunemente accettati, perché la società colga con raccapriccio le fascinazioni nel contempo e inestricabilmente futili e serie, dichiaratamente superficiali ma profonde, ingannevoli e immaginarie, efficaci perché vacue, potenti perché indeterminate, veritiere perché ambigue al limite del raziocinio.
Vetustaviacarteria60modena41100
Orari: venerdì e sabato 17.00 – 19.00 e su appuntamento
+39 3475601841+39 3316825625/studiovetusta@gmail.com/studiovetusta.blogspot.com
www.stefanopasquini.net

cadeau (n17darkallure)

2009-01-15T09:15:00.001-08:00

cadeau
(n17darkallure)
20dicembre2008/9gennaio2009
Morella, Berenice, Ligeia, Charles Baudelaire, Patti Smith, Arthur Rimbaud, Janet Frame, Matthias Grünewald di Aschaffenburg, Jacques Derrida, Christian Boltanski, Ingmar Bergman, Louise Bourgeois, La nausée di Jean Paul Sartre, Marlene Dietrich, Guido Reni, Antonin Artaud, Peter Murphy, Lydia Lunch, Diamanda Galas, Ian Curtis, Albert Camus, Sarah Kay, Bela Lugosi, Filippo Tommaso Martinetti, Santa Caterina da Siena, Jerzy Grotowski, Bruno Domount, Leonardo da Vinci, Joseph Beuys, Cristiane F., la Marchesa Luisa Casati con levriero, André Breton, Greta Garbo, il Conte Dracula, Marc Augé, Alice Liddell, Derek Jarman, Dr. Pignacca, Alfred Jarry, Gretel, Federico Fellini, Urs Lüthi, Julia Margaret Cameron, Man Ray, la Piccola Fiammiferaia, Andrej Tarkovskij, Andy Warhol, Michelangelo Merisi, Eleonora Duse, Biancaneve, Arnold Böcklin, Janis Joplin, Bacone, Chas Addams, Pier Paolo Calzolari, Yves Saint Laurent, Arthur Rackman, Abel Ferrara, San Michele Arcangelo, William S. Burroughs, Odilon Redon, John Everett Millais, Albert Einstein, Ildegarda da Bingen, Jeanne-Luc e Pierre Dardenne, Jules Renard, Giovanna D’arco, George Melies, Elvis Presley, Topogigio, Arthur Rimbaud, Jean Epstein, Meret Oppenheim, Diane Arbus, Cesare Pavese, Carlo Michelstaedter, l’estetica fané, Prassitele, Mina, Gustave Courbet, William Shakespeare, Charlie Chaplin, Gabrielle Chanel, Egon Shiele, Rosalba Carriera, Alfred Stieglitz, PaCman, Platone, Giacomo Leopardi, Arnold Böcklin, Maison Martin Margiela, William Morris, Properzia De Rossi, Walter Benjamin, Friedrich Wilhelm Nietzsche, Piero della Francesca, Victor Horta, Martin Heidegger, George Brian Brummel(arbiter elegantiae, 1778-1840), Slavoji Zizek, Pippi Calzelunghe, Hans Bellmer, Weegee, Madelaine Vionnet, Paolo Uccello, Jules Laforgue, Barbey d’Aurevilly, Gina Pane, Mario Perniola, William Blake, Sigmund Freud, Rei Kawakubo, Piero Manzoni, Walt Disney, Carol Rama, ecc.
thanks to/avec la partecipation
Franca Antonelli, Colette Baraldi, Enrica Berselli, Alessio Bogani, Anna Lisa Bondioli, Diego Borgazzi, Barbara Bottini, Andrea Chiesi, Claudia Collina, Simone Fazio, Adriana Jebeleanu, Pier Lanzillotta, Sabrina Muzi, Corrado Nuccini, Stefano Pasquini, Adriano Persiani, Christian Rainer, Simone Rondelet, Mustafa Sabbagh, Gilda Scaglioni, Matteo Serri, Andrea Sessa, Ascanio Tacconi, ecc.

2008-11-10T07:05:00.000-08:00

COLETTE BARALDI
n. 0
su due piedi
Della liquidità e dell’alchimia (per materia et per forma substantiale)

15 novembre – 13 dicembre 2008
vernissage sabato 15 novembre 2008 ore 19.00

“(…) allorché i corpi supercelesti esercitano la loro azione su un elemento, essi operano per loro similitudine e inoltre producono qualche cosa di somigliante a loro stessi e quasi della medesima specie. Dunque, giacché essi producono l’elemento dello elemento e la cosa elementata della cosa elementare, ne consegue necessariamente che vengono a partecipare essi stessi della natura dell’elemento. E per meglio comprendere ciò, occorre osservare che il Sole produce dal Fuoco corpi saturati di acqua urinaria e corpi cristallini sferici.“
San Tommaso D’Aquino, Trattato della pietra filosofale,

L’eccellente finezza miniaturistica che contraddistingue il disegno di Colette Baraldi si presta nel caso alla trascrizione convulsa di un onirismo cruento affine alla patologia melanconica. Marchingegni impossibili, oggetti d’orrore e d’anatema, trappole ed astrusi elettrodomestici affini a strumenti d’inquisizione reinventati nei materiali della quotidiana contemporaneità, compongono un intricato compendio enciclopedico in cui sono indagate le liquide alchimie della materia. L’assunto che ne conviene riguarda la trasmutazione degli accidenti esteriori della materia, lo svelamento dell’arcano e la conseguente rivelazione dell’intima natura di certi oggetti domestici mutati in qualcos’altro prima sconosciuto. Il sottile fluire della narrazione, sorta di estatico “disegno automatico-autobiografico”, allorché scomposto e frammentato, descrive dunque un laboratorio di ingegnosi strumenti, un armamentario di forni, lambicchi, vasi, contenitori, pinze, punte, crogiuoli, fiale, distillatori, in cui si mescolano elementi organici di sangue e carne con altrettanti frammenti metallici, plastici e della tecnologia. Nell’individuarne sofisticate Similitudini, metamorfosi ed oscure prassi al contempo simboliche e metaforiche, Colette Baraldi perviene ad una minuziosa catalogazione in cui il disegno è prossimo alle pratiche dalla magia-stregoneria-ciarlataneria contestualmente comprendenti tutte le categorie linguistiche dell’alchimia (tecnologiche, criptografiche, immaginifiche, antropomorfiche, fantastiche).

2008-09-15T08:16:00.000-07:00

Festival Filosofia 2008
19/20/21 settembre
Sulla Fantasia

studio vetusta presenta
Mundus est fabula: rêveries, illuminazioni e sogni lucidi
a cura di Patrizia Silingardi e Matteo Serri

Nell’ indagare la singolare elezione artistica in cui la fantasticheria riguarda il “dormiveglia” e la “mescolanza” tra le istanze del reale e le pulsioni dell’inconscio, il concetto di fantasia, sempre inteso nella sua accezione di creazione, meraviglia, finzione ed artificialità (come ciò che è fatto ad arte), è declinato nell’immagine della rêverie, dell’illuminazione e del sogno lucido. Queste tre stati, queste modalità in cui la fantasia si esplica come sutura tra reale ed irreale senza dimostrarsi come mera evasione disimpegnata è indagata come possibilità di approfondimento ed analisi della coscienza e del reale, come apertura alla creazione dell’universo. Contro il logos razionale, la preoccupazione dell’utile, la misura morale e la struttura immanente delle cose, la Fantasia riguarderà il dualismo in cui sono accostati sogno diurno/veglia notturna/illuminazione stupefacente. In essa andranno a configurarsi visioni fosche, promiscue, “sonnolente”, non disciplinate, non sottomesse alle sovrastrutture logiche, estetiche e morali. L’istanza fantastica avrà, in questi modi, una connotazione tutt’altro che spensierata ma essenzialmente colma d’ogni possibile libertà analitica da tradursi come “rivelazione sinestetica”, come “polifonia sensoriale”, “investigazione” e “significazione” dove di fatto tutti i sensi umani convivono in un’armonia universale per raggiungere la conoscenza suprema. Di qui le argomentazioni che andranno a costituire una “ricostruzione onirica di un mondo incantato” come estatica condizione d’accrescimento del senso del meraviglioso e della bellezza convulsiva, erotico-velata e magico-circostanziale dell’universo.

PROGRAMMA

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ADRIANO PERSIANI
Paraître (la rêverie)
Vernissage Venerdì 19 settembre 2008 ore 19.00
Una portantina barocca, un’apparato effimero per una parata, una grandiosa seduta mobile che significa l’inquietudine e la sospensione del viaggio e del passaggio attraverso mondi altri, indicibili perché composti dalla materia del sogno e della sua vacua rimembranza diurna. Le tenui tonalità spirituali della fantasticheria si stemperano si condensano in una sorta di volontà dedita all’empirismo, all’oggettualità concreta e tangibile. Come consueto nell’opera di Adriano Persiani, i materiali sono significazione e concetto, residuo simbolico di uno stato d’animo vicino all’inquietudine e per questo, le decorazioni, i drappeggi e le volute che adornano la portantina (rigorosamente realizzati in celeste stoffa chirurgica) si prestano a suggerire un mutamento percettivo che riguarda l’angosciante condizione del passaggio esistenziale.
Prima di essere creati o trovati, gli oggetti proposti da Adriano Persiani sono stato sognati; non pensati consciamente, nella meditazione che precede l’esecuzione dell’opera, ma concepiti per intero dal lavoro inconscio del sogno. Si tratta di “sogni-oggetto”, condensanti in essi un lavoro autoplastico e “alloplastico”. Tali manufatti entrano quindi in un complesso gioco di spostamenti e sostituzioni (sineddoche, metonimie, metafore) e saranno investiti di valenze simboliche da individuare secondo l’idea romantica della «irrimediabile inquietudine umana». L’oggetto artistico sarà allora un significante privilegiato che assume tutta una serie di contenuti instabili, ineffabili o aleatori, entrando in una catena diatronica di significanti (correlativi oggettivi) aperta nei due sensi (passato-futuro) e virtualmente infinita. In quanto luogo di investimenti immaginari esso si trova così associato ad un ruolo demiurgico, alla funzione modellatrice di grande ordinatore. Nello stesso tempo è confinato in uno spazio che è quello del residuo, traccia del continente scomparso qual è la fantasia onirica, il sogno lucido e l’allucinazione di cui è responsabile la rêverie. Ne conviene un nuovo statuto linguistico dell’oggetto che andrà ad approfondire la “psicologia dello stupore” manifestandosi appieno nella sua capacità simbolica, emblematica, evocativa e, non da ultima, nella sua effettiva eclissi funzionale.La rêverie rappresenta l’espressione di materiale notturno dimenticato nella limpidezza del giorno («La rêverie come stato dello spirito che si abbandona ricordi e immagini è per Bachelard la situazione in cui l’io, dimentico della sua storia contingente, lascia errare il proprio spirito e gode in tal modo di una libertà simile a quella del sogno (rêve), in rapporto al quale la rêverie indica tuttavia un fenomeno della veglia e non del sonno.» Pref. a G. Bachelard, La poetica della rêverie, 1960)

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FUMANA
presentazione della fanzine + sfilata di corpo bandistico a cura di Corrado Nuccini e Matteo Serri
Sabato 20 settembre 2008 ore 19.00

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L’illuminazione stupefacente: fondamenti naturali della fantasia (omaggio ad Albert Hofmann)
COLETTE BARALDI DIEGO BORGAZZI FRANCESCO GALAVOTTI MARC GILOUX TIMOTHY HUTCHINGS ADRIANA JEBELEANU CORRADO NUCCINI STEFANO PASQUINI CHRISTIAN RAINER GILDA SCAGLIONI ANDREA SESSA COSIMO TERLIZZI
Sabato 20 settembre ore 22.00

“Zero virgola cinque milligrammi di acido lisergico in soluzione, Tre gocce, un sorso. Si siede e aspetta. Il sole entra nella stanza bianca del suo laboratorio di ricerche farmacologiche, secondo piano della Sandoz, Basilea. Sono le due di un giorno speciale, il 19 aprile 1943: il chimico Albert Hofmann, 37 anni, da cinque impegnato in esperimenti sugli alcaloidi contenuti nella segale cornuta, ha appena ingerito la prima dose di LSD della Storia.”

Al di là degli innumerevoli fasti decadenti della Rivoluzione Psicadelica conseguente alla scoperta dei nuovi “Misteri Eleusini” da parte di Albert Hofmann (migliaia di artisti, scrittori e musicisti, simultaneamente, hanno la stessa visione sublime), il dato interessante è l’ammissione dell’esistenza di una diversa realtà trascendentale e fantastica che va al di là delle manifestazioni fisiche contingenti. Memore dei Paradis Artificiel baudelairiani, di contro ai “veli di Maya” e alle “caverne di Platone”, il chimico svizzero ha dimostrato come certe sostanze estratte dalle piante psicoattive, date certe condizioni, sono in grado di provocare stati visionari in cui la fantasia si dimostra essere l’eco di una verità trascendentale, primordiale e sconosciuta. Poiché è scientificamente dimostrato che la realtà percepita dai nostri occhi ritrae un mondo limitato alle capacità dei recettori e dei sensi umani (infatti, gli animali vedono e vivono la realtà in modo del tutto dissimile, e così per esempio le api, provviste di antenne visive sensibili alle lunghezze d’onda nello spettro ultravioletto e ultrarosso, vedono colori per noi invisibili) ecco che lo stereoscopico e floreale compendio fantastico conseguente all’’illuminazione lisergica perviene all’approfondimento e alla rivelazione della meraviglia ineffabile, al “vedere per la prima volta” i colori, la profondità e le segrete animazioni delle cose dell’universo. Infine, per edulcorare ulteriormente il maledettismo e le accezioni patologiche della fantasia sciamanica inventata da Hofmann, basti sapere che è scientificamente dimostrato che l’LSD, al contrario di molti stupefacenti del ventunesimo secolo, non produce dipendenza, non distrugge cellule e non ha controindicazioni mediche. L’unico incognita è superare lo “shock della rivelazione” («L’illuminazione consiste in una radicale modificazione di coscienza in cui il mondo esterno e lo “sperimentatore” stesso subiscono una profonda trasformazione che può colmare in gioia ma anche in sgomento. I confini tra mondo esterno e mondo interire sembrano completamente soppressi. Le sensazioni e la fantasia sono enormemente intensificate. Visioni fantastiche, ispiratrici a volte di una beatitudine tra le più sublimi, a volte di un terrore tra i più profondi, vengono vissute come totalmente reali. Spesso riappaiono alla coscienza vivide immagini di esperienze passate, appartenenti talvolta alla prima infanzia. L’illuminazione è conseguente all’assunzione di un particolare gruppo di droghe di cui sono state suggerite diverse denominazioni, quali: allucinogene, fantastiche, psichedeliche, enteogene. Per lo più in uso è ancor oggi il termine psichedelico, che significa espandere l’anima. Fondamentalmente queste sostanze sono: LSD (abbreviazione di Lysergsäure – diäthylamid: dietilamide dell’acido lisergico), psilocibina, messalina, nell’ordine della loro efficacia. È importante e interessante osservare come tutte queste sostanze siano in relazione con con le droghe sacre e le piante che sono state impiegate da millenni in ambito religioso e nelle pratiche magiche di guarigione in Messico e nelle adiacenti regioni del Centro America, dove ancora oggi vengono utilizzate secondo la tradizione.» A. Hofmann, LSD. I miei incontri con Huxley, Leary, Jünger, Vogt, 1980).

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Il sogno lucido: “Qualcosa di Alice (Něco z Alenky)
(Svizzera, Germania Ovest, Gran Bretagna, 1987)
Regia di Jan Švankmajer
Domenica 21 settembre ore 22.00

Sinossi: Alice sta con la governante sulle rive di un ruscello. È triste, tira sassolini nell’acqua. Sfoglia il libro della governante e si prende uno schiaffo sulla mano. Nella sua stanza Alice vede un coniglio impagliato prendere vita. Esce con lui dalla stanza e si ritrova in un campo. Il coniglio si infila in un cassetto di un tavolo. Alice lo segue. Un cunicolo e un ascensore. Alice, dopo essere scesa sempre più giù dietro al coniglio, cerca di aprire con una chiave minuscola una altrettanto minuscola porta. Scopre che se beve dell’inchiostro diventa piccola; se mangia un biscotto, ridiventa grande. Si mette a piangere e la stanza si allaga. Il coniglio naviga su una barchetta. Alice mangia dei dolcetti, diventa piccola, apre la porta, tutta l’acqua esce fuori e lei e il coniglio vengono trascinati via. Si ritrovano in un campo. Il coniglio la porta a casa sua. Alice, nella stanza del coniglio, beve dell’inchiostro, ridiventa grande e si barrica nella casa mentre il coniglio tenta di rientrarvi con l’aiuto di altri strani animali come una lucertola che ha un teschio per testa e delle galline che sembrano cavalli. Il coniglio lancia sassi verso Alice, i sassi si trasformano in dolci, Alice li mangia, ritorna piccola, scappa, è presa dagli animali, finisce in pentola, viene trascinata via dalle galline e chiusa in una specie di laboratorio dove dalle uova nascono scheletri di animali, dal pane spuntano chiodi, dalla scatole di cibo escono insetti. Alice trova la chiave della stanza. Esce, c’è un’altra stanza con dei buchi sul pavimento da cui escono lunghe calze che sembrano vermi. Alice fa incontri straordinari: abeti che diventano grandi e poi piccoli, una casetta da cui vengono gettati piatti e padelle, un pesce e una rana in abiti settecenteschi. Alice ritrova il coniglio e riceve un invito dalla Regina. Incontra anche il Cappellaio Matto che prende il tè col coniglio. Seguendo il coniglio, arriva dalla Regina che la vuole processare. Ma Alice mangia tanti dolci e si risveglia nella sua stanza.

Interamente girato con tecnologie obsolete in una vecchia panetteria di Praga trasformata in studio creativo, la famigerata fiaba vittoriana è qui trasposta seguendo l’estetica del sogno lucido, un sogno in cui si ha la percezione di stare sognando, di fantasticare. Le metamorfosi, i suoni reali, le nozioni di “condensazione-spostamento-sostituzione” che ne contraddistinguono l’intreccio scrupoloso alludono a e ricreano un allucinato senso di Realtà memore di subconscie ed indimenticate sensazioni infantili. Debitrice degli studi freudiani, rivelatori dell’enorme potenziale di un inconscio non imbrigliato dalla ragione, che appare come un universo inesplorato, libero e totalmente imprevedibile, in cui il sogno e la fantasticheria hanno una struttura, un significato, una finalità, un contenuto manifesto dello psichismo latente, la narrazione condensa una proposta di ricostruzione fantastica di una realtà che, sebbene di matrice onirica, riguarda i lucidi sensazionalismi della veglia.
Jan Švankmajer è autorevole portavoce del movimento “poetico” surrealista boemo che esiste dal 1934 ed è a tutt’oggi attivo nell’avvalorare una “poesia per i cinque sensi”, un’arte “leggera, sbarazzina, fantastica, gioiosa, antieroica ed amabile” che trasformi la vita in un “eccentrico carnevale , arlecchinata in sensazioni e immagini, ebbra banda filmica, caleidoscopio prodigioso”. Una delle caratteristiche del surrealismo ceco è infatti la costante meraviglia, il senso di stupore che accompagna ogni produzione artistica. Fondamentale è anche il determinismo fantastico aderente alla pratica della scrittura automatica che fu di Breton e Soulpaut. Infatti, come da definizione (“automatismo psichico puro con il quale ci si propone di esprimere, sia verbalmente, sia per iscritto, sia con qualsiasi altro mezzo, il funzionamento reale del pensiero”), la scrittura automatica prevede di utilizzare a fini poetici il materiale onirico dei sogni notturni senza modificare nulla e anzi lasciando la possibilità nella più totale libertà e immediatezza, limitandosi a registrarne lucidamente il flusso quasi come sotto dettatura. Le sequenze di immagini e di parole s’inseguono e confondono, producendo cortocircuiti semantici, effetti di umorismo involontario, inedite analogie, esplosioni di nonsense, polivalenze ambigue e sconcertanti. La fantasia onirica sarà allora trasposta in maniera “empirista” come assioma di una letteratura visiva colma di distorsioni o torsioni di senso, di perdite di proporzionalità in cui è finalmente rivelata la realtà superiore di certe forme di associazione prima di ora trascurate ( “Un sogno lucido è un sogno in cui il soggetto si accorge di stare sognando. Quando le persone diventano consapevoli di sognare, il loro sogno non è generalmente «irreale» in ogni accezione del termine. Cioè non è vago, confuso, mal definito. Una volta che il sogno è arrivato al punto in cui chi sogna si chiede: «Quest’esperienza appartiene al sogno o alla vita reale?», il sogno sembra essere un’accurata imitazione della vita reale.” (C. Green, Sogni Lucidi, 1971)

vetusta
via Carteria 60, Modena
+ 39 347 5601841 + 39 331 7842175

"VEGLIA" INAUGURAZIONE Venerdì29Agosto ore21.00 FestaProvincialedel PD ModenaPonte Alto

2008-08-26T02:00:00.001-07:00

Le immagini sono state scattate nel 2008 tra NewDelhi,Varanasi e Calcutta.

2008-05-29T07:20:00.000-07:00

Lavori lunghi un giorno

2008-05-28T09:56:00.000-07:00

PAOLA BORGONZONI GHIRRI
n.111 Lavori lunghi un giorno

“Eccole qui ancora, sedute in giardino su bianche panchine, a sorseggiare tè da bianche porcellane, dono dalla Cina, osservando una cartolina spedita da un fratello maggiore che sta scalando il Monte Bianco. E intanto sognano bianche nozze…”
D. JARMAN, Chroma.

Sabato 7 giugno 2008 alle ore 19.00 Studio Vetusta presenta il lavoro di
Paola Borgonzoni Ghirri.
Leziosi arredi di bambola, lanterne e curiosi copricapi con le orecchie; appunti, ricordi, lettere ed inusitate poesie; vestiti di carta, “Scarpe di foglie” e anche il misterioso “Libro della Nebbia”. Contro l’oblio o anche solo per un lieve sorriso di sbieco, un lillipuziano ricettacolo di giocattoli “sovviene” a costituire la scenografia onirica di un melanconico teatrino pomeridiano nel quale perdersi nei ricordi e nelle dimenticanze. Poiché tutti i sogni sempre svaniscono all’alba, Paola Bergonzoni Ghirri, si affretta, sprezzante e veloce, a restituirne un appunto, una labile concrezione. Giocattoliera vittoriana, perturbata chiffonieuse, poetica catalogatrice di consunti frammenti naturali, in questi modi racconta le proprie sospensioni esistenziali. Racchiuso in tavolo che diviene teca, oppure sopra ad un piedistallo, ogni oggetto e superficie compone un’infantile elegia del Bianco. Siccome il Bianco riguarda l’ontologismo fenomenico, l’assenza e l’essenza, l’immacolato cerimoniale della catarsi, il silenzio di sensi, lo strambo incantesimo che “addormenta” tutte le possibilità della materia, gli oggetti bianchi di Paola Bergonzoni Ghirri sono dunque atti alla significazione del pallore, dello struggimento e della melanconia. Il Bianco è terapia purificatrice, copertura anestetica che permette agli oggetti di sopravvivere alla precarietà semantica e al détournement, ma al contempo, sarà anche una strategia percettiva “negativa” che di volta in volta verrà alterata, corrotta, modificata, “sporcata” dagli accidenti dell’esistenza bassa, “terrena”. Attraversato dal trascorre del tempo e dal depositarsi della polvere, il “biancore” innocente di ognuno dei manufatti rivelerà infine la propria segreta natura umbratile divenendo couleur accidentelle, da considerarsi quindi inessenziale e casuale alla stregua delle illusioni e deficienze; “impuro” nel senso costitutivo che spesso riguarda gli ingiusti-ingiustificati terribili accidenti della vita.

colleen

2008-05-14T09:11:00.003-07:00

Liuti del XVI secolo, gamelan indonesiani, campionamenti classici, carillon vittoriani. Il mondo interiore della francese Cécile Schott nel momento in cui pensieri, impressioni, idee e ricordi evaporano sotto forma di suoni e diventano la musica di Colleen.
Sarà forse etichettabile come ambient folktronica, ovattata e personalissima, ma la musica di Colleen è soprattutto l’esprimersi senza freni inibitori di uno, cento, mille mondi interiori. Vengono alla mente le figure fantasiose delle siepi di Edward Mani di Forbice come via di uscita per l’immaginazione coltivata con la cura maniacale del solitario. Cécile Schott, nella placida noia di un paesino a sud di Parigi ha trovato il modo di dipingere con la musica i suoi astratti assiomi, là dove alzando lo sguardo al cielo, le nuvole assumono forme sempre nuove e tutte da scoprire.

31 ancilla

2008-05-14T09:04:00.001-07:00

Sabato 9 febbraio 2008, Studio Vetusta presenta
“Ancilla (una sorella)”
installazione di Matteo Serri, con la partecipazione di
Corrado Nuccini (Giardini di Mirò), Pillow,
Francesco Galavotti, Matteo Bosi
a cura di Patrizia Silingardi

Parafrasando un piccolo scritto di una striona locale in cui si narrano le circostanze di cinque oscure apparizioni della Vergine Maria, Matteo Serri documenta nei modi del wall paper e della gigantografia fotografica gli anonimi luoghi che in seguito sono diventati nostalgiche locations di devozione popolare, dove a maggio portare rose bianche, prostrarsi all’incubazione e chiedere una grazia. Nessun santuario, nessun altare, ma solo incantevoli ed isolati anfratti arborei dove tra le foglie e l’impenetrabile intrico di rovi sembra scorgersi l’impercettibile animula di “una giovane fanciulla vestita di bianco”. Maria è fantasticheria, visione interiore, sostanza noetica e spirituale, negazione dell’ “imago lucis opera espressa”. È Ancilla: diafana e impaurita sorellina di memoria preraffaellita. La Fotografia, ora liberata dal suo immobile referente, sopravviene come sofisticata trama narrativa in cui il rapimento estatico e l’innamoramento ha il sopravvento su qualsivoglia contingenza materiale.

Con la stessa intensità dello scongiuro, Corrado Nuccini (Giardini di Mirò), interpreta la ricerca sonora di Luca di Mira-Pillow (concerto per piano e rielaborazione sonora dei reali rumori dei luoghi) nel proporre una suggestiva lirica che evoca la desacralizzazione e la profonda umanità sensualistica di Ancilla.

Video-documento di Francesco Galavotti c/o Galleria 42contemporaneo, via Carteria 42, Modena.
Ancilla t-shirt in edizione limitata di c/o Omnis Grace – Factory E35, Modena, via Carteria 49.

9 febbraio – 1 marzo 2008
vernissage sabato 9 febbraio 2008 ore 19.00
Studio VETUSTA, via Carteria 60 – Modena
Orari: sabato 17.00 – 19.00 e su appuntamento
+39 347 5601841 - + 39 339 7842175

11 lady havisham

2008-05-14T08:57:00.001-07:00

Entrai, quindi, e mi trovai in una camera abbastanza ampia, ben illuminata da candele di cera. Non vi penetrava il minimo barlume di sole. Era uno spogliatoio, a quanto supposi, osservandone la mobilia, benché buona parte di essa fosse di forme ed usi a me sconosciuti; ma vi troneggiava un tavolino drappeggiato con uno specchio dorato, ed a prima vista compresi che si trattava della toeletta di una gran dama.
Se sarei riuscito a riconoscere questo oggetto così prontamente, senza una gran dama seduta dinanzi ad esso, non saprei dire. In una poltrona, un gomitolo appoggiato al piano della toeletta e il capo chino sulla mano, era seduta la più strana signora che io avessi mai vista e che mai mi sarà dato di vedere.

Era vestita di stoffe assai lussuose - rasi e merletti e sete - e tutta in bianco. Le scarpe erano bianche, un lungo velo bianco le scendeva dalla capigliatura, dei fiori nuziali adornavano i suoi capelli, ma questi erano bianchi. Alcuni gioielli le brillavano sul collo e sulle mani, ed altri rifulgevano lì sul tavolino. Altre vesti, meno lussuose di quelle che indossava, e bauli a metà riempiti, erano sparsi ovunque. Non doveva aver finito di vestirsi, poiché calzava una sola scarpa, e l’altra era sul tavolino accanto alla sua mano - il velo non era acconciato a metà, orologio e catena erano ancora lì, insieme ad un merletto da mettere sul petto, al fazzoletto, ai guanti, ed alcuni fiori e ad un libro di preghiere, il tutto ammucchiato in disordine attorno allo specchio.

Non fu in quei pochi istanti che distinsi tutte quelle cose; pure, il primo colpo d’occhio mi rivelò più di quanto si potrebbe supporre. Vidi che tutto quanto si trovava nella stanza, e che avrebbe dovuto essere bianco, lo era stato molto tempo fa, ed ora aveva perduto la lucentezza, era sbiadito e giallo. Vidi che la sposa in abito nuziale era appassita come l’abito, come i fiori, e non le rimaneva altro splendore che quello degli occhi incavati. Vidi che il vestito era stato tagliato per le forme piene di una giovane donna, e che la figura sulla quale ora esso si afflosciava era tutta pelle e ossa.
(...) Fu quando mi trovai ritto dinanzi a lei, evitando il suo sguardo, che notai ogni particolare delle cose che la circondavano, e mi accorsi che l’orologio era fermo alle nove meno venti e una pendula nella stanza era pure ferma sulle nove meno venti.
Charles Dickens, Grandi Speranze, Capitolo Ottavo.

christian rainer

2008-05-05T10:12:00.000-07:00

CHRISTIAN RAINER
Episodio n.9:
una figura neutra, una comunione nella muta e compromesso al varco

“Diverse persone hanno in sé la propria componente sconosciuta, l’aspetto incognita o elemento disturbante che identificheremo nella figura del lupo.

Ognuna di queste persone disegna il proprio lupo usando la mano di una figura neutra nera.

La figura neutra è un tramite con anche la funzione di mettere in comunione tutte quelle identità distinte e il loro lato sconosciuto.

Questa messa in comunione dà vita ad una terza natura o identità più grande composta da tante minori.

Una fila di otto alberi che sarà visibile solo dopo le fasi appena descritte, rappresenta al tempo stesso la nuova natura che si è creata e il luogo che la ospita.

Dell’inconscio
«La metamorfosi delle singole forme dipende, come in Goethe, da una comune figura o “Gestalt” che, percepibile a livello intuitivo, sta alla base di tutti gli elementi appartenenti alla stessa serie.»
M. Reithmann

Nei modi poveristi(ci) e minimali legati a quel concetto di arte allargata e totalizzante1, Christian Rainer propone un’azione, una sorta di “plastica sociale”. In maniera lucida e schematica esegue una partizione concettuale ed idealista per trovare una seppur labile forma alle pieghe oscure della mente e ad un concetto mentale di perspicace sottigliezza. La tempra lucida e distaccata della performance, dove ogni fascinazione del visibile è sottomessa ad un’ “invisibile” cromofobico ed essenziale, segue i dettami del transfert, dell’empatia e della scrittura automatica.
Il passaggio di una figura nera e neutra fa da tramite, da medium; diventa lo sciamano trascrittore di quel subdolo comune denominatore sociale che è l’inconscio (qui identificato con la figura allegorica del lupo2). La figura nera disegna, infatti, “un branco” di lupi implicando l’idea della “messa in comunione”, di un indicibile sentire condiviso. Di qui la creazione di una nuova identità-entità più ampia, composita, “trascritta” in un successivo fondale simbolico, un contenitore visivo sul quale si staglia l’immagine di un filare di cipressi3 meditabondi. Toccando il sublime e il depravato, la tematica sottesa è l’ambiguità di una natura panica e tripartitica: umana, animale, vegetale. Succubi delle misteriose leggi della metamorfosi e della verosimiglianza, le intime ragioni esistenziali di queste “nature” aspirano ad una totalità colma di onirismo, costituendosi come “regno intermedio”, spazio liminare, luogo “infrasottile” e sovrannaturale che riguarda un’utopia percettiva di memoria bökliniana4. Come romanticheria raggelata e scarnificata in icona, l’azione di Christian Rainer, non da ultimo consapevole di come gli oggetti siano veicolo manchevole e spesso inadeguato per alludere a significati di solo spirito ed indeterminatezza, lascia e restituisce infine fragili e fatali testimonianze, frammenti, appunti afoni. Una serie di Polaroid e disegni di lupi, lupi disegnati, antichi simboli di infantile meraviglia fiabesca.
1 pontaneo il riferimento all’ambiguo modus operandi di Joseph Beuys, soprattutto alla performance “I like America and America likes me”, Tate Modern, Room 4, maggio 1974.
S
2 “Fino all’età moderna, questo animale da preda è stato considerato in Europa centrale, molto pericoloso. Non meraviglia che nelle → favole esso costituisca la minaccia maggiore per gli uomini, che assuma la figura del nemico in forma animale e che i lupi vengano ritenuti esseri umani sanguinari, che hanno subito una trasformazione (lupo mannaro). Nell’antica mitologia germanica si narra che il potente lupo Fenrir venisse incatenato; tuttavia, nella battaglia finale, riuscirà a spezzare le catene e divorerà il → Sole, finchè il → padre Odino non lo ucciderà in duello, venendo però a sua volta ucciso. Nell’antichità il lupo era considerato un «animale spettrale», il cui sguardo rendeva muti. Erodono e Plinio raccontano che i membri della tribù scita dei Neuroi si trasformavano in lupi una volta l’anno, riassumendo però in seguito l’aspetto umano. In ciò potrebbe celarsi il ricordo di un → totem-lupo della tribù; anche Gengis Khan si gloriava di discendere da un «lupo eletto», grigioazzurro, generato dal supremo → cielo. Benché il lupo, dato che vede «di notte», possa essere considerato un simbolo del Sole mattutino (Apollo Linceo), riguardo ad esso prevale il significato negativo di immagine della potenze selvagge e sataniche. Anche nell’antica Cina il lupo rappresentava avidità e crudeltà; «sguardo da lupo» significa diffidenza e paura dinnanzi all’animale da preda che si presenta in branco. In contrasto con quanto detto finora, ci sono leggende in cui lupe allattano e crescono bambini. Il temuto animale da preda può dunque, in certe condizioni, diventare protettore di creature indifese, benché in ogni caso prevalga sempre la paura del «lupo cattivo». Nell’iconografia cristiana il lupo compare in primo luogo come simbolo del nemico diabolico, che minaccia il gregge dei fedeli. Solo ai santi è concesso di trasformare in «devozione, con la loro amoroso forza di persuasione, il carattere selvaggio di questo animale – così, per esempio, Francesco d’Assisi, Guglielmo da Vercelli (che sellò un lupo), san Hervé e Filiberto di Jumièges. Si dice che san Simpert di Augsburg abbia salvato un bimbo dalle fauci di un lupo e che abbia costretto l’animale a riportarlo alla → madre. Le «fauci dell’→ inferno» stesse vengono rappresentate come la bocca di un drago o di un lupo feroce. Nel Physiologus, testo risalente all’epoca paleocristiana, il lupo è un «animale astuto e cattivo», che avvicinandosi all’uomo lo paralizza per poi assalirlo. Il «lupo in veste di → agnello» è il simbolo dei profeti falsi e tentatori, il cui scopo è di «portare i semplici alla rovina». Alcune espressioni a carattere simbolico recitano: «mettere il lupo nell’ovile; seguire il branco; il lupo perde il pelo ma non il vizio; in bocca al lupo». Che alcuni santi, come san Wolfgang e san Lupus, vengano raffigurati assieme a lupi, è un’allusione riconducibile soltanto ai loro nomi. Nell’iconografia alchemica si parla di Lupus metallorum (il lupo dei metalli che divora il → leone per «liberarlo». Deve trattarsi di un procedimentodi raffinazione dell’oro impuro, mediante l’ausilio dell’antimonio; l’antimonio è il «lupo grigio» del laboratorio alchemico. Il fatto che le → streghe venissero spesso raffigurate a cavallo dei lupi, o talvolta in forma di lupo, va ricondotto alla connessione ideale lupo → diavolo.
Nell’interpretazione psicologica dei simboli prevale l’opinione secondo cui i pericolosi predatori potrebbero invadere la civilizzata terra dell’anima come «lupi della steppa», e l’uomo, che li incontra in sogno , è chiamato a canalizzare una grana quantità di energie estranee, cosa che non può avvenire senza lo scatenamento di notevoli tensioni. Mentre la psicanalisi freudiana non potè liberare senza conseguenze l’«uomo dei lupi», per lungo tempo oggetto di terapia, la scuola di C.G. Jung considera generalmente le immagini del lupo come allusioni alla minaccia di forze incontrollate che compaiono in maniera «intelligente» e incondizionata. Essa indica però anche che nella favola questo «inconscio irruente» può essere raggirato dal fanciullo accorto o dalla capretta, e che il grande cacciatore lo può certamente vincere. Nel Bestiario medioevale è ancora una volta una animale diabolico; gli → occhi della lupa luccicano di notte come lanterne, che privano l’uomo dei sensi. Anche il diavolo priva l’uomo della forza di gridare (pregare) →, ei suoi occhi brillano chiari, «perché alcune opere del demonio accecano e fanno e fanno impazzire gli uomini sembrano belle e sante» (H. Biedermann, Enciclopedia dei Simboli, 1989).

3Anticamente questo albero evocava soprattutto il simbolo della fertilità per il suo aspetto vagamente fallico. Nelle novelle mediorientali simboleggiava l’amante ed era anche l’immagine dell’immortalità a causa delle foglie sempreverdi e del legno considerato incorruttibile: nel quale si erano intagliati la freccia di Eros, lo scettro di Zeus e la mazza di Ercole. I Persiani vi coglievano il simbolo vegetale del fuoco per la sua forma evocatrice della fiamma e sostenevano che fosse il primo albero del Paradiso. A queste caratteristiche simboliche corrispondono quelle medicinali grazie alle foglie e i frutti che contengono, oltre a un elevato tasso di tannino, un olio essenziale molto aromatico con il quale i Romani preparavano i profumi. La fama funeraria del cipresso (Cypressus semperverdis) è nata invece dai poeti greci e latini che, come suggerisce il mito ovidiano di Ciparisso, cominciarono a considerarlo l’albero dei defunti. Il cipresso entrò anche nelle composizioni simboliche del Rinascimento, come quella della Disperazione che il Cavalier Ripa così descriveva: «Donna vestita di berrettino, che tiri al bianco, nella sinistra mano tenga un ramo di cipresso, con un pugnale dentro nel petto, sarà in atto quasi di cadere, e in terra ci sarà un compasso rotto» (A. Cattabiani, Florario. Miti, leggende e simboli di fiori e piante, 1996).

4 Toteninsel, 1880
Olio su tela, cm 111x155
Basilea, Kunstmuseum.
E’ nota la circostanza che originò il dipinto. Marie Berna, visitando a Firenze nel 1880 lo studio del pittore gli aveva richiesto «un quadro per sognare…». Böcklin cominciò a lavorare al primo dipinto, poi si interruppe, e cominciandone un secondo lo terminò in breve termine. Accompagnò l’invio del quadro a Marie Berna con una lettera (29-4-1880) in cui scriveva: «Lei potrà sognando inoltrarsi nell’oscuro mondo delle ombre finchè le sembrerà di percepire il leggero alito che increspa il mare, e avrà timore di disturbare il solenne silenzio con una parola espressa a voce alta…». Il dipinto, nella sua solenne monumentalità, è una eroica celebrazione della bellezza (l’isola infiltrata di cipressi) intesa come un tramite alla morte; ancora una volta Böcklin ribadisce il concetto che vede indissolubilmente legate bellezza e dissoluzione. L’opera (e la sua serie) raggiunse una popolarità incredibile, cosicché ogni casa borghese di cultura tedesca ne possedeva una copia. Il titolo si deve al mercante Fritz Gurlitt; Böcklin aveva invece definito il quadro prima «isola silenziosa» e poi «isola delle tombe». Molti artisti subirono il fascino di quest’opera e ne trassero incisioni, come Klinger, come De Chirico e dalì, ne dipinsero copie. Tra le tante ipotesi per identificare il «modello naturale » della Toteninsel, la proposta più attendibile è quella che rinvia al Camposanto degli Svizzeri (detto degli Inglesi) di Piazza Donatello a Firenze, come si può rilevare dalle note del piano di ristrutturazione (1865) di Giuseppe Poggi: «Presso la Porta dei Pinti il Cimitero dei Protestanti sarà isolato, cinto di scogliere e cancellate…». Lì nel 1877 fu sepolta, non avendo ancora compiuto un anno la figlia di Böcklin, Beatrice (Catalogo a cura di C. Nuzzi, in Arnold Böcklin e la cultura artistica in Toscana, 1980).
Patrizia Silingardi

Marissa Nadler

2008-04-28T10:08:00.000-07:00

La lezione di Joni Mitchell, Linda Perhacs e Vashti Bunyan aggiornata come meglio non si potrebbe... Soprano cristallino al servizio di ballate romantiche e invernali, Marissa Nadler produce una musica senza tempo, che attinge alla tradizione dei cantastorie degli Appalachi ma anche al folk celtico e al fado portoghese e vi aggiunge una languida vena psichedelica. Dopo due dischi di culto su Eclipse la consacrazione su Peacefrog (etichetta tra gli altri di José Gonzales) con Songs III: Bird on the Water, disco prodotto da (e suonato con) Greg Weeks degli Espers che ha permesso alla bella Marissa di ampliare i propri orizzonti e avvicinarsi a un pubblico più vasto. Non a caso il disco è stato nominato nella sezione Best Americana Album ai Plug Awards e lei concorre come migliore artista femminile del 2007.